コトフォトライフblog -2026-

アートめぐり　模様の向こうにあるもの｜マリメッコ展 京都文化博物館

赤煉瓦の京都文化博物館へ。今日はここから、模様をめぐる旅が始まる。

色と形が軽やかに響き合う。扉の先には、自由な模様の世界が待っていた。

花も色も形も自由。並べることで、ひとつの風景が生まれていく。

植物を見つめ、描き、形を探す。模様になる前の静かな思考の時間。

一本の線を重ね、植物が模様へ。デザインの始まりにある、手仕事の時間。

一枚の資料から伝わる、ウニッコ。時を越えて愛される模様の原点。

花と都市、色と線。ひとつの模様から、想像の世界が広がっていく。※会場内で上映されていたスライド映像を撮影したものです。

描かれた模様が布へと移され、暮らしの中へ送り出されていく。※会場内で上映されていたスライド映像を撮影したものです。

建築、風景、植物、花柄。分類すると、その発想の広さが見えてくる。

布から服へ。大胆な色と模様が、人の動きとともに表情を変えていく。

街を歩く人の手にもマリメッコ。模様はいつしか、日常の風景になっていく。※会場内で上映されていたスライド映像を撮影したものです。

展覧会を離れれば、模様は街へ。デザインが暮らしの風景に変わる。※会場内で上映されていたスライド映像を撮影したものです。

布が空間を舞い、模様が立体になる。見ることから、感じることへ。

デザインを布へ、そして暮らしへ。映像からプリントの現場をたどる。

・・・

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模様の向こうにあるもの
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京都文化博物館で開催されている「マリメッコ展」へ。

マリメッコは、1951年にフィンランドで誕生したデザインハウス。
大胆な色彩と、花や植物、自然、都市などから着想を得た個性的なプリントで知られています。
大きな花を描いた「ウニッコ」は、
ブランドを知らなくても一度は目にしたことがあるほど象徴的なデザインです。

今回の展覧会で印象に残ったのは、そうした華やかな模様そのものだけではなく、
ひとつのデザインが生まれ、製品となって私たちの暮らしへ届くまでの過程でした。

植物を観察し、スケッチを重ね、自由な発想から形や色を探していく。
そこから生まれた模様は、プリントという技術によって布へと移され、
さらに工業化されることで、服やバッグ、インテリアなど多くの人の日常へと広がっていきます。

装飾として表面を彩るだけではない。
自然や街、記憶や物語から生まれたイメージを、暮らしの中で使えるものへと変えていく。
その一連の流れに、マリメッコのデザインの強さを感じました。

会場では「建築」「風景」「植物」「花柄」「ストーリーテリング」「装飾」という
6つのカテゴリーからプリントを読み解く展示もあり、
普段何気なく見ていた模様の奥に、
それぞれ異なる発想や物語が存在していることにも気づかされます。

そして、会場のインタビュー映像の中で語られていた
「サステナブル」という言葉も印象に残りました。

新しいものを次々と生み出すだけではなく、ひとつのデザインが時代を越えて愛され、
長く使われていくこと。素材や生産のあり方を考えながら、
これからの暮らしへデザインをつないでいくこと。

1950年代に生まれた模様が、今も新鮮さを失わず私たちの日常に存在していること自体、
マリメッコが積み重ねてきた時間を物語っているようにも感じます。

さらに会場には、ミナ ペルホネンの皆川明さんによるインスタレーションも。
平面だった布が大きく曲がりながら空間へ飛び出し、
模様そのものがひとつの風景へと変わっていきます。

京都から巡回が始まった今回の展覧会。

自由な発想から模様が生まれ、プリントされ、工業製品となって暮らしへ届く。
そして、長く使い続けることのできるデザインへ。

「かわいい」「鮮やか」だけではないマリメッコのものづくりと、
その先にあるサステナブルな未来まで感じることのできた、充実した展覧会でした。

・・・

KYOTO
京都文化博物館 2026年7月4日（土）～9月6日（日）

TOKYO
東京都庭園美術館2026年10月3日（土）～12月20日（日）

HIROSHIMA
ひろしま美術館2027年1月30日（土）～3月28日（日）

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ホームページ
https://marimekko-ex2026-2028.jp/
https://x.com/marimekko_2026
https://www.instagram.com/marimekko_ex2026_2028/

📍京都文化博物館
📷 FUJIFILM X-E5 ＆ iphone17pro
🐈2026/08/15

大阪で開催されている「ガウディ展」へ行ってきました。

ガウディの世界への入口。会場に入る前から少し胸が高鳴ります。

ここから建築だけではなく、自然や信仰、暮らしまで含めたガウディの思想に触れる時間が始まりました。

まず目を引いたのはサグラダ・ファミリアの模型でした。こちらはカサミラですが、

写真では伝わりにくい立体的な構成や光の入り方を眺めながら、建築は空間そのものをデザインするものだと改めて感じました。

色鮮やかなベンチは、とても楽しげな印象です。

ただ美しいだけではなく、人が自然と集まり、語り合える場所をつくるという優しさも感じられました。

木目を生かした扉は、まるで木がそのまま育ったような表情です。

直線ではなく自然の流れを取り入れることで、建築にやわらかな生命感が生まれていました。

椅子も建築の一部として考えられていることがよく分かります。

見た目の美しさだけでなく、座る人の身体まで意識したデザインにガウディらしさを感じました。

思わず手を伸ばしたくなるドアハンドル。

毎日触れるものだからこそ、使いやすさと美しさを両立させる。そんな細やかな気配りが伝わってきます。

ガウディの作品を彩るタイル。

鮮やかな色や自由な模様は空間に温かさを与え、建築が工業製品ではなく、手仕事の積み重ねであることを感じさせてくれました。

展示されていた手帳には、ガウディの日常や仕事の痕跡が静かに残っていました。

完成した建築だけでなく、その背景にある積み重ねにも心を惹かれます。

天へ向かって伸びる塔を見上げると、装飾というより祈りそのものの形に思えます。

細かな造形の一つひとつに、自然への敬意が込められているようでした。

展覧会の最後を飾るサグラダ・ファミリアの模型。

圧倒される美しさだけではなく、多くの人の想いが受け継がれながら完成へ向かう建築の時間を感じる展示でした。

正面から模型を見ると、無数の装飾が重なり合いながらも、不思議とまとまりを感じます。

一つひとつの細部が集まり、壮大な建築をつくり上げていることがよく分かりました。

少し角度を変えて眺めると、建築の奥行きや立体感がより伝わってきます。

見る場所によって表情が変わることも、ガウディ建築の大きな魅力なのだと思いました。

色鮮やかなステンドグラスから差し込む光は、ただ空間を照らすだけではありません。

光そのものが建築の一部となり、人の心をやさしく包み込むように感じられました。

ガウディが多用したトレンカディスを、自分でも少し体験できるコーナーがありました。

正解はなく、自由に描くことの楽しさを思い出させてくれる時間でした。

私も一枚描いてみました。

芸術的とは言えませんが、作品を鑑賞するだけではなく、自ら手を動かすことでガウディの発想に少し近づけた気がしました。

壁いっぱいに並んだ作品を眺めると、一枚として同じものはありません。

それぞれの感性が集まって一つの景色になる様子は、とても温かく印象に残りました。

後半は映像による演出へ。

文字や光が森の中を漂う幻想的な空間は、自然を師としたガウディの世界観へ静かに引き込んでくれます。

木漏れ日が差し込む森の映像を見ていると、サグラダ・ファミリアの柱が森の木々を思わせる理由が自然と理解できました。

自然はガウディにとって最高の教科書だったのでしょう。

色とりどりの光に包まれた内部空間は、思わず息をのむ美しさでした。

構造や装飾を超え、光そのものが空間をつくり上げていることを実感しました。

展覧会の最後に映し出されたサグラダ・ファミリア。

完成へ向かう建築でありながら、今も世界中の人を魅了し続けています。

私もいつか、この光景をバルセロナで実際に見上げてみたいと思いました。

📍 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS.

📱iphone12 promax

🐈 2026.05.23

都市という問い、建築という応答

五人の建築家を横断して

都市は、

一つの思想では

つくられない。

そこには、

理想があり、

批評があり、

沈黙があり、

流動があり、

秩序がある。

丹下健三、

磯崎新、

安藤忠雄、

槇文彦、

伊東豊雄。

五人の建築家は、

同じ都市を

見つめながら、

異なる距離と

異なる角度で

建築を

考え続けた。

丹下健三は、

都市に

理想を

描いた。

建築を通して、

社会の

未来像を

提示し、

都市を

ひとつの

大きな

構造として

構想した。

磯崎新は、

その理想に

問いを

投げかけた。

建築は、

答えではなく、

社会や歴史に

向けた

批評の

装置である。

安藤忠雄は、

都市の中に

静寂を

刻んだ。

閉じられた

空間の中で、

人が

自らと

向き合う

時間を

生み出した。

槇文彦は、

都市を

編んだ。

建築を

背景として

配置し、

時間とともに

育つ

街並みを

丁寧に

積み重ねた。

伊東豊雄は、

都市を

流動させた。

変化し続ける

社会や

人の動きを、

そのまま

建築の

条件として

引き受けた。

理想と

批評、

内省と

集合、

秩序と

流動。

それぞれは、

対立するようでいて、

都市を

成立させるための

異なる

役割を

担っている。

都市は、

これらの思想が

重なり合い、

干渉し合うことで、

はじめて

立ち上がる。

建築とは、

都市の

一断面を

切り取る

行為であり、

同時に、

都市の

未来に

痕跡を

残す

行為でもある。

五人の建築家が

描いたのは、

完成形の

都市ではない。

考え続けるための

地図、

歩き続けるための

指針だ。

その思想マップを

手に、

私たちは

今日も

都市を

歩いている。

建築を

見上げ、

くぐり、

通り抜けながら、

都市と

対話するために。

Architecture is a map, not a destination.

構成・文：kotophotography

槇文彦 × 伊東豊雄

槇文彦と

伊東豊雄。

二人はともに、

都市を

思考の起点として

建築を組み立てた

建築家である。

しかし、

その都市の

捉え方は、

大きく異なる。

槇にとって

都市とは、

積み重ねられた

時間の集合体だ。

過去から現在へ、

ゆっくりと

更新されていく

構造。

槇は、

その流れを

断ち切らず、

建築を

そっと

差し込む。

ヒルサイドテラスに見られるように、

建築は

完成した瞬間よりも、

時間とともに

育っていく。

街並みや

人の動線、

生活の気配が

重なり合い、

都市は

静かに

編まれていく。

一方、

伊東豊雄にとって

都市は、

常に

揺らぎ続ける

場である。

情報が流れ、

人が交差し、

価値観が

更新され続ける。

伊東は、

その不安定さを

否定せず、

むしろ

建築の条件として

引き受けた。

彼の建築では、

形は

固定されず、

境界は

溶けていく。

内と外、

建築と都市は

緩やかに

連続し、

空間は

常に

変化する。

槇の建築が、

都市に

秩序を

与えるなら、

伊東の建築は、

都市の

流動性を

可視化する。

槇は、

背景となる

建築を

つくり、

伊東は、

出来事を

引き寄せる

建築を

つくる。

その姿勢は、

素材の扱いにも

表れる。

槇は、

抑制された

プロポーションと

端正な

ディテールで、

都市の輪郭を

整える。

伊東は、

軽やかな構造と

透過性で、

都市の

不確かさを

包み込む。

それでも二人は、

共通して

建築を

孤立させなかった。

建築は、

都市の一部であり、

人の活動と

切り離せない。

槇文彦と

伊東豊雄。

彼らの建築を

行き来することで、

私たちは、

都市が持つ

二つの顔を

知る。

静かに

積層する

都市と、

絶えず

流動する

都市。

そのどちらもが、

現代の都市を

形づくる

真実である。

槇と伊東の

対比は、

都市における

建築の役割が、

一つではないことを

私たちに

教えてくれる。

構成・文：kotophotography

安藤忠雄 × 伊東豊雄

安藤忠雄と

伊東豊雄。

二人はともに、

戦後日本から

世界へと

建築を発信した

建築家である。

しかし、

その建築が

人に与える

感触は、

大きく異なる。

安藤の建築は、

重く、

閉じている。

伊東の建築は、

軽く、

開いている。

安藤忠雄は、

建築を

「壁」でつくる。

厚いコンクリートの

壁は、

外界を遮断し、

内部に

静寂を

生み出す。

そこでは、

人は

世界から切り離され、

自らと

向き合う。

光は、

壁に穿たれた

わずかな

隙間から

差し込む。

その

限定された光が、

空間に

強い緊張と

意味を与える。

一方、

伊東豊雄は、

建築を

「境界」でつくる。

壁は

溶け、

内と外、

建築と都市の

境目は

曖昧になる。

風や人の流れ、

情報までもが、

建築の中を

通り抜ける。

せんだいメディアテークに見られるように、

伊東の建築では、

構造そのものが

風景となり、

出来事を

受け止める。

安藤の空間が、

内省へと

人を導くなら、

伊東の空間は、

外へと

意識を

開いていく。

安藤にとって

建築は、

人を

包み込む

器であり、

伊東にとって

建築は、

人と都市を

つなぐ

場である。

素材に対する

姿勢も、

対照的だ。

安藤は、

コンクリートという

硬質な素材に、

精神性を

刻み込む。

伊東は、

軽やかな構造や

透過性のある素材で、

不確かな

現代性を

表現する。

それでも二人は、

共通して

「人の身体感覚」を

出発点に

建築を考えた。

安藤は、

歩き、

立ち止まり、

沈黙する

身体を想定し、

伊東は、

動き、

交差し、

漂う

身体を想定する。

安藤忠雄と

伊東豊雄。

彼らの建築を

行き来することで、

私たちは、

建築が

人を

内へ導く力と、

外へ

開く力、

その

両極を見る。

建築は、

閉じることで

強くなり、

開くことで

自由になる。

安藤と伊東の

対比は、

現代建築が

持ちうる

振幅の大きさを、

静かに

物語っている。

丹下健三 × 磯崎新

丹下健三と磯崎新。

二人の関係は、

師と弟子という

単純な言葉では

語りきれない。

丹下は、

戦後日本の

復興と成長の只中で、

建築に

「公共性」と

「理想」を託した。

都市を構想し、

国家や社会の

ビジョンを

建築として

可視化する。

そこには、

未来へと

進むための

強い意志があった。

一方、

磯崎新は、

その

「大きな物語」に

距離を取る。

彼は、

都市や社会が抱える

矛盾や亀裂、

不確かさを

見逃さなかった。

建築は、

答えを示すものではなく、

問いを

投げかける

存在である。

丹下の建築が、

都市を

ひとつの

秩序ある

全体として

捉えたのに対し、

磯崎の建築は、

都市を

断片の集合として

読み解く。

丹下は、

建築によって

社会を

前へ進めようとし、

磯崎は、

建築によって

立ち止まり、

考えることを

促した。

広島平和記念公園に見られる

丹下の空間は、

記憶を

未来へ

結びつける

装置だ。

そこには、

共有されるべき

価値と

希望が

据えられている。

対して、

磯崎の建築は、

記憶を

固定しない。

　
水戸芸術館では、

意味は

一つに

収束せず、

訪れる者の

解釈に

委ねられる。

丹下にとって

建築は、

社会を

統合する

力であり、

磯崎にとって

建築は、

社会を

問い直す

媒体だった。

それでも二人は、

共通して

建築を

都市と切り離して

考えなかった。

建築は、

人と都市の

関係性を

映し出す

鏡である。

その

立ち位置は

異なれど、

向き合っていた

問いは

同じだった。

丹下健三と

磯崎新。

彼らの建築を

行き来するとき、

私たちは、

都市が

抱える

理想と不安、

希望と批評、

その両方を

同時に

目にすることになる。

建築とは、

都市の未来を

描く行為であると

同時に、

その現在を

問い続ける

行為でもある。

丹下と磯崎の

あいだに広がる

緊張関係こそが、

戦後日本建築の

厚みを

形づくっている。

構成・文：kotophotography

流動する建築

伊東豊雄は、

建築のかたちを

固定されたものとして

捉えなかった。

彼は、

都市や社会、

人の行動が

常に変化し続けることを

前提に、

建築を

考え続けた。

伊東の建築は、

軽やかで、

流動的だ。

境界は曖昧で、

内と外、

建築と都市が

ゆるやかに

溶け合う。

せんだいメディアテークでは、

構造そのものが

空間体験となり、

情報や人の流れが

建築の中を

自由に行き交う。

伊東は、

建築を

固定的な器ではなく、

出来事を

受け止める

場として

捉えた。

そこでは、

人の動きや

時間の変化が、

空間を

かたちづくる。

自然のように

しなやかで、

都市のように

複雑。

伊東豊雄の建築は、

現代社会の

不確かさや

揺らぎを、

そのまま

空間へと

写し出す。

それは、

変化し続ける

都市と

共に呼吸する

建築の姿だ。

構成・文：kotophotography

都市を編む建築

槇文彦は、

都市と建築の

関係性を

一貫して

考え続けた

建築家である。

彼の思想の中心には、

「集合性」という

概念がある。

建築は、

単体として

完結するものではなく、

周囲の建物や

街並み、

人の動きと

重なり合いながら

意味を持つ。

槇は、

都市を

断片の集合として捉え、

そのつながりを

丁寧に

編み直そうとした。

ヒルサイドテラスに象徴されるように、

時間をかけて

育つ都市の姿を、

建築として

提示している。

派手な

造形ではなく、

控えめで

端正な

プロポーション。

その静かな佇まいは、

街の背景として

機能しながら、

確かな

秩序を

生み出す。

槇文彦の建築は、

都市に

強く主張するのではなく、

人々の生活を

支える

基盤となる。

都市とは、

人の営みが

折り重なって

形成されるもの。

槇の建築は、

その

「重なり」を

そっと

可視化している。

構成・文：kotophotography

都市と対話する建築

磯崎新は、

日本を代表する建築家のひとりとして、

国内外で

数多くの作品を手がけてきた。

その思想の根底にあるのは、

「建築は

単なる機能や形式の追求ではなく、

社会や文化、

歴史との対話である」

という考えだ。

磯崎は、

建築を通して、

過去と未来、

伝統と現代性、

公共と個人の関係性を

見つめ直そうとした。

彼の作品には、

しばしば

「記号性」や

「象徴性」が

強く感じられる。

建物そのものが

都市や社会に対して

メッセージを発し、

見る者に

静かに問いかける。

東京都現代美術館や

水戸芸術館では、

建築の構造や外観が

都市の景観や機能と

響き合い、

訪れる人に

空間の意味を

意識させる。

磯崎にとって建築は、

単なる

物理的な箱ではない。

それは、

歴史や文化、

人々の記憶を

編み込む

ひとつの装置である。

また磯崎は、

構造や素材に対する

鋭い感性を持ちながら、

デザインにおいては

常に柔軟だった。

近代建築の合理性を

踏まえつつ、

日本の伝統的な

空間概念や

象徴性を取り入れ、

時間や場所を超える

普遍的な空間を

生み出そうとした。

この

緊張感あるバランスこそが、

磯崎の建築が

国内外で

高く評価される

理由のひとつだ。

さらに磯崎は、

建物単体ではなく、

都市全体の文脈を

読み取ることを

重視した。

建築は、

孤立した

オブジェではない。

都市の歴史や文化、

社会的な活動と

連動しながら、

存在するものだという

考えが

一貫している。

だからこそ、

磯崎の建築は、

単なる

鑑賞体験を超え、

空間の中で

時間や記憶、

都市の成り立ちを

感じさせる。

磯崎新の思想は、

建築を通して

社会と対話し、

歴史や文化を

映し出すことの

重要性を

私たちに示している。

彼の建築を

眺め、

歩き、

体験することは、

都市や社会、

そして

時間の流れを

読み解く

知的な旅でもある。

形式や

美しさを超えて、

人々の生活や

都市の記憶に

寄り添うこと。

磯崎新の作品には、

そんな

思想の力が、

今もなお

静かに

息づいている。

構成・文：kotophotography

静寂を刻む建築

安藤忠雄は、

独学で建築を学び、

世界的な評価を得た

稀有な建築家である。

彼の建築を特徴づけるのは、

打放しコンクリート、

光、

風、

そして

静けさだ。

安藤は、

建築を

自然と対峙させることで、

人の感覚や

内面に

深く働きかけようとした。

光は

壁を切り裂き、

影は

空間に

時間を落とす。

教会三部作に代表されるように、

安藤の建築では、

形そのものよりも、

光や沈黙が

強く記憶に残る。

それは、

建築が

語りすぎないことで、

人に

思考や感情の

余白を

与えるからだ。

都市の中にあっても、

安藤の建築は、

外界から

一歩距離を置き、

内へと

意識を向けさせる。

建築は、

人を守る

殻であると同時に、

世界と向き合う

装置でもある。

安藤忠雄の建築は、

静寂の中で

人の存在を

際立たせる。

それは、

都市に刻まれた

ひとつの

精神的な空間だ。

構成・文：kotophotography